Kino in der Kunstgeschichte

Es gibt zahlreiche Verbindungen zwischen dem Kino (der so genannten 7. Kunst) und den Künsten. Das Kino wird von allen genossen, und deshalb beeinflusst es auch Künstler, Maler, Fotografen und Bildhauer.


Die Geschichte des Kinos reicht bis zum Ende des 19. Jahrhunderts zurück. Die ersten Filme wurden ab 1891 von Thomas Edison und später von den Brüdern Lumière aufgenommen.


Ab 1910 trifft das Kino auf die gesamte Avantgarde der Künste und der europäischen Kunstbewegungen. Mit der italienischen futuristischen Bewegung, die das Aufkommen der Maschine, der Technologie, aber auch der Geschwindigkeit und der Bewegung propagiert, mit dem Film Thaïs von Anton Giulio Bragaglia (1917) und der Verwendung geometrischer Linien.



In den 1920er Jahren interessierten sich die Dadaisten für das Kino und schlugen neue ästhetische Wege ein. Es gab ihnen auch die Möglichkeit, die Anfänge der "Spezialeffekte" zu schaffen, die der verrückten ästhetischen Forschung dieser Bewegung ähnelten.


In der Folge drehten die Surrealisten, die Erben des Dadaismus, auch Filme, darunter den berühmten Un chien andalou (1929) von Luis Buñuel. Dieser Film sorgte für großes Aufsehen und hat sich einen besonderen Platz in der Kunstgeschichte des 20.


Ab 1927 wurde das Kino mit Ton ausgestattet und wurde zum Tonfilm. Sie entwickelte sich in den 1930er und 1940er Jahren und schließlich in den 1950er und 1960er Jahren mit Alfred Hitchcock in den Vereinigten Staaten und François Truffaut und Jean-Luc Godard in Frankreich weiter.


Man denke an die großen Künstler, die von bestimmten Regisseuren, Ästhetiken oder großen Ikonen beeinflusst wurden... Wie zum Beispiel:

Edward Hopper und Alfred Hitchcock. Beide waren von der Arbeit des anderen stark beeinflusst. Beide interessierten sich für amerikanische Innenräume und was sich darin verbirgt. So ließ sich Hitchcock für seinen Film Psycho von Hoppers Gemälde House by the Railroad inspirieren.



Hopper hat seine Ästhetik aus dem Kino übernommen; kommt das Licht in seinen Gemälden nicht aus einer künstlichen Quelle, genau wie im Kino? Seine Bilder sind ein Spiel zwischen Licht und Schatten.

Hopper ließ sich von der Arbeit der amerikanischen Film-Noir-Regisseure der 1940er Jahre inspirieren.


Pop Art und Kino


Das Kino hat seit langem einen großen Einfluss auf die Kunst. Mit Schauspielern, die manchmal zu echten Ikonen werden, wie Marylin Monroe oder James Dean, reine "Produkte" der 7. Kunst. Der berühmte Künstler versuchte sich auch im Kino mit Filmen wie Sleep (1963) und Vinyl (1965).

Andy Warhol, Marilyn Monroe, 1967, MoMA, © 2017 Andy Warhol Foundation for the Visual Arts / Artists Rights Society (ARS), New York


Video-Kunst


Viele bildende Künstlerinnen und Künstler machen heute parallel zu ihren üblichen Tätigkeiten Kurz- oder Langfilme. Einige zeitgenössische Künstler haben auch begonnen, Filme zu drehen.

Sophie Calle, zum Beispiel, mit No Sex last night (1995). Filmemacher wie Chantal Akerman (1950-2015) oder Larry Clark, ein Fotograf, der zum Videokünstler wurde, haben verschiedene Künste vermischt. Mit Hilfe des Films haben sie sich mit Themen auseinandergesetzt, die in anderen Bereichen nicht sehr sensibel sind, wie Sex oder die feministische Sache.


Vor einigen Jahrzehnten hat der Film ein neues Genre hervorgebracht: die Videokunst. Sie wird auch von Künstlern wie Bill Viola vertreten, die in Museen Videoinstallationen mit einem ästhetischen oder engagierten Ziel vorschlagen.

Letzterer, einer der größten Vertreter dieser Kunstform, hat sich von der Kunstgeschichte zu neuen Werken inspirieren lassen. Ein Beispiel ist The Greeting, eine Videoversion der Szene aus dem Gemälde The Visitation von Jacopo Pontormo. Ein schönes Beispiel für den Austausch zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Malerei und Video...


Entdecken Sie 10 Filme, in denen die künstlerischen Grenzen verschwimmen und Kunst und Kino eins werden...


Die Abenteuer des Baron Münchhausen (1988) und Botticellis Geburt der Venus


Kunst und Kino sind aufgrund ihrer Ästhetik und der Art und Weise, wie sie Geschichten erzählen und Emotionen hervorrufen, sicherlich miteinander verbunden. Aus diesem Grund huldigen die meisten Regisseure in ihren Filmen den größten künstlerischen Meisterwerken (Figuren, Schauplätze...)


Schrei (2000) und Der Schrei von Edvard Munch

Links: Scream (2000) / Rechts: Der Schrei von Edvard Munch


Der Horrorfilm von Wes Craven ist eindeutig von dem berühmten Gemälde von Edvard Munch inspiriert, der auch Cravens Lieblingskünstler war.

Das Gemälde Der Schrei ist eine geschlechtslose Darstellung der Angst, während die Gelb- und Rottöne des Himmels die Angst und den Stress unterstreichen.

Craven zeigt das Gemälde durch die ikonische Maske der Scream-Reihe, Ghostface. Die Maske, die von verschiedenen Personen getragen wird, vermittelt ebenso wie das Gemälde nur starke Gefühle.


Shutter Island (2010) und Der Kuss des Gustav Klimt

Links: Shutter Island (2010) / Rechts: Der Kuss von Gustav Klimt


Das berühmte Gemälde Der Kuss des österreichischen Künstlers Gustav Klimt gilt als Symbol für die Beziehung zwischen Klimt und Emilie Flöge. Das Werk wird oft als Darstellung von Lust und romantischer Liebe erklärt, wobei der Kontrast zwischen der Einfachheit des Hintergrunds und der Dekoration der Liebenden hervorgehoben wird.

Martin Scorseses Neo-Noir-Psychothriller Shutter Island ist mit den Mustern des Kleides der Frau und den Gold- und Grüntönen des Hintergrunds sehr repräsentativ für dieses Gemälde. Diese künstlerische Referenz unterstreicht die Intensität des Begehrens und die Instabilität der Ehe zwischen den Figuren von Leonardo diCaprio und Michelle William.


Pennies from Heaven (1981) und Edward Hoppers Nighthawks

Links: Pennies from Heaven (1981) / Rechts: Nighthawks von Edward Hopper


In dem Film Pennies from Heaven (1981), bei dem Herbert Ross Regie führte, gibt es eine Filmszene, die stark an das Gemälde Nighthawks (1942) von Edward Hopper angelehnt ist. Auf dem Gemälde sind vier Personen in unmittelbarer Nähe zueinander dargestellt. Ihre Ausdruckslosigkeit deutet jedoch auf eine emotionale Distanz zwischen ihnen hin. Hoppers Absicht ist es, das Paradoxon zwischen dem Gefühl der Isolation und dem Aufenthalt in einem städtischen Raum darzustellen. Die Verwendung von Licht und Farbe, von dunklen und düsteren Tönen und einem starken, gewaltsamen Licht, drückt die Abwesenheit von Hoffnung aus.

Pennies from Heaven" spielt in der Zeit der Großen Depression in den Vereinigten Staaten, einer harten Zeit der Verzweiflung und des Elends. Die Figur im Film, die um ihren Erfolg kämpft. Die Hauptthemen des Films sind Isolation und Verzweiflung, ähnlich dem, was der Künstler in seinem Gemälde zum Ausdruck bringen wollte.


Django Unchained (2014) und The Blue Boy von Thomas Gainsborough

Links: Django Unchained (2014) / Rechts: The Blue Boy von Thomas Gainsborough


Quentin Tarantinos Django Unchained ist ein Post-Western-Blockbuster und ein großer Erfolg, was sicherlich auf die Abkehr von der üblichen negativen Darstellung der schwarzen Gemeinschaft in Hollywood zurückzuführen ist.

Der Kostümbildner des Films ließ sich von The Blue Boy inspirieren, einem Porträt des kleinen Sohnes eines reichen weißen Kaufmanns. Sie hatte nämlich erfahren, dass die Hauptfigur von Django, gespielt von Jamie Foxx, nach seiner Flucht aus der Sklaverei in seinem neuen Job als Kopfgeldjäger einen blauen Anzug tragen würde. Die Wahl eines Outfits, das dem des privilegierten, weißen Jungen mit dem damaligen Status ähnelte, trug dazu bei, die vom Regisseur beabsichtigten Rassenklischees zu unterlaufen. Außerdem ist das Outfit ein Symbol für den sozialen Aufstieg der Figur.


The Shining (1980) und Eineiige Zwillinge von Diane Arbus

Links: The Shining (1980) / Rechts: Eineiige Zwillinge von Diane Arbus


Jeder Horrorfilmfan kennt Stanley Kubricks Filmklassiker nach Stephen Kings Roman, in dem Zwillingsmädchen das Hotel heimsuchen, in dem die Hauptfigur als Hausmeister arbeitet. Diese beiden jungen Mädchen sind zu einem ikonischen Klischee des Horrorgenres geworden.

Diane Arbus ist berühmt dafür, Außenseiter zu fotografieren. 1967 fotografierte sie Cathleen und Colleen Wade, siebenjährige Zwillingsschwestern. Kubrick hat nie zugegeben, von ihnen inspiriert worden zu sein, aber er ist bekannt dafür, dass er ein Fan von Arbus' Arbeit ist. Und die Ähnlichkeit ist so frappierend, dass sie nur wahr sein kann!


Das Labyrinth des Pan (2006) und Saturn verschlingt seinen Sohn von Francisco Goya

Links: Das Labyrinth des Pan (2006) / Rechts: Saturn verschlingt seinen Sohn von Francisco Goya


In Guillermo del Toros Fantasy-Film Pans Labyrinth wird man unweigerlich an das Monster, den bleichen Mann, erinnert. Es scheint, dass dieses Monster eine Hommage an den italienischen Künstler Francisco Goya ist, einen der Lieblingskünstler von del Toro.

Eine Szene, in der der Bleiche Mann eine Fee verschlingt, erinnert frappierend an Goyas mythisches Gemälde, in dem Saturn seinen Sohn verschlingt. Diese grausame Tat hat zweifellos dazu beigetragen, das furchterregende und denkwürdige Monster des Films zu erschaffen.


Clockwork Orange (1971) und Vincent Van Goghs Gefangene am Arbeitsplatz

Links: Clockwork Orange (1971) / Rechts: Vincent Van Goghs Gefangene in Bewegung


Stanley Kubricks extrem gewalttätiger Film basiert auf dem gleichnamigen Roman von Anthony Burgess, in dem er ein erschreckendes und düsteres Porträt der menschlichen Natur zeichnet. Die Hauptfigur Alex ist wegen eines brutalen Überfalls inhaftiert und muss sich einer experimentellen und völlig unmenschlichen Behandlung unterziehen, um seine gewalttätigen Impulse zu heilen.

In einer Szene werden die Häftlinge trainiert, indem sie ständig im Kreis gefahren werden. Die klaustrophobische Atmosphäre in einem kleinen Raum und die Höhe der Wände sind unweigerlich von Vincent Van Goghs Gemälde Gefangene in Bewegung inspiriert. Der Regisseur des Films zeigt damit die entmenschlichenden Bedingungen der Gefängnisse und gleichzeitig das Scheitern der experimentellen Therapie seiner Figur.


The Dark Knight (2008) und Francis Bacons Kopf VI

Links: The Dark Knight (2008) / Rechts: Francis Bacons Kopf VI


In Christopher Nolans Film von 2008 dürfen wir Heath Ledgers phänomenale Interpretation des Jokers nicht vergessen. Die perfekte Darstellung dieses ultraberühmten Bösewichts, der schon oft im Kino zu sehen war, ist zweifellos eine der besten Interpretationen von Ledger. Aber der Regisseur hat die Ästhetik, die chaotische Energie, die violetten Töne und die Farben seines Lieblingskünstlers Francis Bacon in das Werk Head übernommen. Durch das Aufgreifen dieser Codes in der Maske und dem Kostüm des Jokers und auch in der unberechenbaren Persönlichkeit der Figur des Jokers.


Der Exorzist (1973) und Reich des Lichts von René Magritte

Links: Der Exorzist (1973) / Rechts: Reich des Lichts von René Magritte


Der Kultfilm Der Exorzist schlug ein neues Kapitel im Horrorfilmgenre auf. Und man munkelt, dass sich der Regisseur von einem Gemälde von René Magritte inspirieren ließ. Eine perfekte Wahl, um diese düstere Atmosphäre zu schaffen. Die ständige Dunkelheit, die das Haus einhüllt, und die Lichtkreise, die Angst und Stress erzeugen. Der surrealistische Kunststil bietet auch die perfekte Atmosphäre für diesen als paranormal eingestuften Film.


Kunst und Kino: eine unendliche Geschichte!


All diese Filmbeispiele zeigen, dass sich Filmemacher auch in Zukunft von der Kunstwelt inspirieren lassen werden. Wenn Sie das nächste Mal ins Kino gehen, versuchen Sie zu erkennen, welches Werk den Regisseur oder den Autor inspiriert hat! Manchmal sind es sogar die Kunstwerke selbst, die in den Filmen auftauchen, um die es geht!


September 2021 - Herausgeber www.agence-wdp.com




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